To commemorate the 140th anniversary of diplomatic relations between Korea and Italy, this exhibition is designed to reflect on the work of Silvio Cattani and Hyunkyung Kim, who have known each other as artistic colleagues and friends regardless of country, gender, or age, and to present new works. The exhibition's title alludes to the enduring relationship between the two countries and their distinct artistic worlds ascribed to the eternity of art. It uses the Italian word scherzo, meaning joke, and the Korean word for ink’s thickness and darkness as a double entendre, to play on Silvio's saturated, playful colors and Hyunkyung’s layered depths.
Silvio Cattani creates abstract paintings that guide the viewer on an inner journey through Matière that are evident in their color and technique, rather than suggesting a didactic message or specific examples. Like reading a poem's figurative memory, the artist's work searches for profound sources, and while no particular symbols or signs are intuitively apparent, the various iconography and autobiographical symbols invite the viewer to draw out their inner metaphors. From ceramics to glass, from drawing to collage, from paper to canvas, the artist's experimental tendencies are manifested in free gestures, through aesthetic decisions and multilayered editing, emphasizing that the scope for artistic experimentation is not limited, crossing the boundaries of Italian contemporary art research and public art creation.
Hyunkyung Kim expresses the overlap of time through ink, which is the thickness and darkness of Meok(ink). However, she breaks away from the conventional realistic depiction and aims for a new formative language not found in traditional ink painting. For example, rather than depicting the shape of a bamboo tree, she expresses his inner memories accumulated from experiencing a bamboo forest. On the reconstructed surface where the original images of nature and geometric compositions coexist, experimental methods such as scorch marks and knife cuts on the Hanji paper are revealed. This represents the spirit of emptying that underlies the artist's world of work, the freedom, and serenity she felt in this cycle of creation and destruction. In the process of repeatedly building up from the lightest ink to the pitch-black ink, the artist waits for the brush to pass over the ink and for the ink to dry completely, sometimes repeating the process more than 30 times. As waiting for the ink to deepen and not become cloudy after multiple layers, she embraces the process as part of her work. This contemporary interpretation, which acknowledges and expresses the distortion of nature and human nature as it is, rather than chasing after an organized and calm state, through the harmony of deep jokes, achieves the possibility of the artist's own unique sculptural world.
Rather than chasing a state of order and calm through the harmony of deep jokes, the contemporary interpretation that acknowledges and expresses the disturbance of nature and human beings as they are, achieves the possibility of the artist's own unique sculptural world.
Hyunkyung Kim expresses the overlap of time through ink, which is the thickness and darkness of Meok(ink). However, she breaks away from the conventional realistic depiction and aims for a new formative language not found in traditional ink painting. For example, rather than depicting the shape of a bamboo tree, she expresses his inner memories accumulated from experiencing a bamboo forest. On the reconstructed surface where the original images of nature and geometric compositions coexist, experimental methods such as scorch marks and knife cuts on the Hanji paper are revealed. This represents the spirit of emptying that underlies the artist's world of work, the freedom, and serenity she felt in this cycle of creation and destruction. In the process of repeatedly building up from the lightest ink to the pitch-black ink, the artist waits for the brush to pass over the ink and for the ink to dry completely, sometimes repeating the process more than 30 times. As waiting for the ink to deepen and not become cloudy after multiple layers, she embraces the process as part of her work. This contemporary interpretation, which acknowledges and expresses the distortion of nature and human nature as it is, rather than chasing after an organized and calm state, through the harmony of deep jokes, achieves the possibility of the artist's own unique sculptural world.
Rather than chasing a state of order and calm through the harmony of deep jokes, the contemporary interpretation that acknowledges and expresses the disturbance of nature and human beings as they are, achieves the possibility of the artist's own unique sculptural world.
Silvio's and Hyunkyung Kim's works are very different on the surface, but the essence is the same, only the difference is whether the color is applied or permeated. We hope that the viewer will experience a gradual fading inward in a single space and time where both works can be encountered, which is the boundary between the color that emanates and the color that is implied.
이번 전시는 이탈리아와 한국 두 국가 간의 수교 140주년을 기념하여 국가, 성별, 나이에 얽매이지 않고 예술적 동료이자 벗으로 알고 지낸 실비오 카타니와 김현경의 작업 세계를 반추하고 새롭게 작업한 신작을 선보이기 위해 기획되었다. 전시명을 통해 지속적으로 이어질 양국 간 관계 뿐만 아니라 작가별로 뚜렷한 작업 세계 역시 예술의 영원성에 귀속되어 이어질 것임을 암시하며 이탈리아어로 해학, 농담을 뜻하는 Scherzo 스케르초와 먹의 농담 濃淡 을 중의적 의미로 사용하여 실비오의 채도 높은 유쾌한 색감과 김현경의 겹겹이 쌓인 깊이감을 함께 다룬다.
Silvio Cattani는 교훈적인 메시지나 특정한 예시를 제안하기보다는 다채로운 색감과 기법에서 여실히 드러나는 마티에르를 통해 내면의 여정에 길잡이가 되는 추상 회화를 선보인다. 작가의 작품은 마치 시의 비유적 기억을 읽는 것처럼 심오한 근원에 대해 탐색하며 특정한 기호나 사인이 직관적으로 드러나지는 않지만 다양한 도상과 자전적 상징을 통해 보는 사람들로 하여금 내면의 은유를 이끌어낼 수 있게끔 유도한다. 도자기에서 유리, 드로잉에서 콜라주, 종이와 캔버스에 이르기까지 실험적 경향에 천착하는 작가의 작업 방식은 미학적 결정과 다층적 편집을 거쳐 자유로운 제스처로 나타나며 이탈리아의 현대예술 연구와 공공예술 창작의 폭을 넘나들며 예술적 실험 영역이 제한되지 않음을 강조한다.
김현경은 먹을 통해 시간의 중첩을 표현한다. 다만 기존의 사실적 묘사 위주의 정형화된 화법을 탈피하여 전통적 수묵화에서 찾아볼 수 없었던 새로운 조형언어를 지향한다. 예를 들어 대나무 의 형상보다는 대나무 숲을 경험하며 쌓아 올린 작가 내면으로부터 축적된 기억을 표현하는 식이다. 본래 자연의 이미지와 기하학적 평면이 재구성된 변주된 화면에서 까맣게 그을린 자국과 칼로 컷팅된 표면을 확인할 수 있다. 이는 작가가 수묵화를 통해 이루고자 하는 비워내는 정신, 생성과 소멸의 회귀 속에서 작가가 느꼈던 자유와 평온의 심정을 나타낸다. 아주 연한 먹부터 시작해 칠흑 같이 까만 먹에 이르기까지 반복적으로 쌓아 올리는 작업 과정에서 작가는 먹을 머금은 붓이 지나가고 먹이 완전히 마를 때까지 기다리면서 이를 30회 이상 반복하기도 한다. 여러 번 겹쳐도 탁해지지 않고 깊어지는 먹을 기다리며 작가는 그 과정까지도 작업의 일부로 포용한다. 이렇듯 깊이감 있는 농담에 따른 조화를 매개로 정돈되고 차분한 상태만을 쫓기 보다 자연과 인간내면의 있는 그대로 어그러짐을 인정하고 표현으로 발현하는 현대적 해석은 작가만의 독자적인 조형세계의 가능성을 이룬다.
실비오와 김현경의 작품은 겉으로 보기에는 매우 다르지만 색이 얹혀지느냐 혹은 색이 스며드냐의 차이일 뿐 본질은 같다. 발산하는 색과 함축하는 색의 경계이자 두 작업을 모두 만나볼 수 있는 하나의 시공간에서 내면으로 서서히 페이드인 하는 경험이 되기를 바란다.
